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Título original: ‘Snatched’ (2017)

Duración: 91 min.

País: Estados Unidos.

Director: Jonathan Levine.

Guion: Kim Caramele, Katie Dippold, Amy Schumer.

Música: Chris Bacon, Theodore Shapiro

Fotografía: Florian Ballhaus.

Reparto: Amy Schumer, Goldie Hawn, Christopher Meloni,  Ike Barinholtz, Randall Park.

Género: Comedia

Salas: Cinesa y Peñacastillo

Infame producto de comicidad gruesa y vulgaridad sin límites, ‘Descontroladas’ no se detiene en su nadería zafia. Aparente comedia de aventuras con dos cómicas dentro y un guión nulo, el filme es un carrete sin hilo que mezcla la mirada estereotipada del turista accidental/norteamericano sobre los países latinos.

El narcotráfico, el secuestro, lo salvaje e inesperado, más allá del terreno acotado por el resort y la piscina, aparecen en el horizonte de este artefacto muy vulgar, incapaz de generar un rastro de humor inteligente. El cineasta de ‘Memorias de un zombie adolescente’,  Jonathan Levine, se limita a que las dos actrices protagonistas, Goldie Hawn y Amy Schumer, desplieguen sus armas por acumulación, que no por calidad selectiva, y conviertan el filme en un insoportable discurso verborreico en el que se mezcla el desfile escatológico, los tópicos racistas y los gags de tocamientos más manidos de la historia.

Es cine de segunda, manoseado, envuelto en una aseada combinación de personajes sin matices, música de radiofórmula y algunos, pocos, paisajes ecuatorianos y colombianos de fondo por donde asoma la prepotencia imperial del viajero estadounidense. Antipatía, perfiles vagos, griterío y aburrimiento acompañan el itinerario limitado de estas dos mujeres que, a ratos, muestran sus frustraciones.

Una mirada opuesta de contrastes que el cineasta de ‘Los tres reyes malos’ ni sabe ni quiere aprovechar. El discurrir monótono de la comedia, salpicado con alguna mirada feminista muy tímida, se ve envuelto en una capa de sentimentalismo. Schumer encarna el liderazgo de ese aire de provocación tontuna y de salón, ajeno a lo verdaderamente irreverente. Y Hawn, que regresa al cine quince años después, está muy lejos de aquella eficaz actriz de ‘La recluta Benjamin’. No hay juego generacional y sus respectivos papeles no poseen matices como para que la película construya su atractivo en el duelo madre e hija que propone supuestamente la trama de ‘Descontroladas’. Salvo dos o tres gracietas que, por supuesto, ya había desvelado el tráiler (siempre en estos casos, mucho mejor que la película), el resto es un desmayado viaje que no simula su inconsistencia.

Schumer, que ha triunfado en televisión y, con espectáculos muy provocadores, en salas teatrales, pierde aquí su personalidad y, aunque ha intervenido en el guion, se diluye la mala leche y todo se torna una bobalicona comedia. Como curiosidades, nuevo papel de Óscar Jaenada (aunque el tópico satírico del narcosecuestrador ya casi no aporta nada) y la siempre magnífica Joan Cusak, casi invisible, en un papel que da vergüenza ajena.

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Post tags: Amy Schumer, Chris Bacon, cine, comedia, Goldie Hawn, Joan Cusack

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2017 96 min. España.

Dirección y guión: Pablo Berger.

Música: Berger, Alfonso de Vilallonga.

Fotografía: Kiko de la Rica.

Reparto: Maribel Verdú,  Antonio de la Torre,  José Mota,  Josep Maria Pou,  Quim
Gutiérrez, Priscilla Delgado.

Género: Comedia

Salas: Cinesa y Peñacastillo.

Otra parada de monstruos cercanos y cotidianos. Un desfile carpetovetónico, costumbrista, a veces esperpéntico, otras incluso cañí y hortera. Pero, sobre todo, un cine muy libre y arriesgado que se enroca en su estado hipnótico y no parece estar sujeto a etiquetas y a rendir cuentas, sino a devociones, guiños y deudas.

Pablo Berger en su tercera obra, espaciada en el tiempo pero plena de coherencia y unidad con respecto a su trayectoria, conecta con su ‘Torremolinos 73’ –uno de los filmes más singulares del cine español– para trazar una radiografía social de memoria y tiempo, disturbio moral y mirada metafórica, una españolada desafiante que edifica toda una barriada de cuento y elocuencia estética. De hecho el cineasta no se aleja de su excelente ‘Blancanieves’ y firma un revés jocoso, sociológico, de colores que parecen pintados con lápices sobre el blanco y negro de aquélla.

‘Abracadabra’ es magia negra de comedia blanca y arrebato de chistera e hipnotismo. Berger muestra e ilustra ante nuestros ojos un número de prestidigitación donde truco y encantamiento son una misma cosa. Y el cineasta no necesita voluntarios. La ficción, en la que cabe desde lo patético y ridículo hasta lo sublime y lo surreal, implica a una troupe
de intérpretes entregados hasta las patas. ‘Abracadabra’ es barrio, machismo, vulgaridad, costumbrismo, bofetada social y muchos números que combinan géneros y reconocibles estancias cinematográficas con malabarismo estético y vuelta de tuerca.

El director toma la sierra del montaje y parte el cuerpo del delito en varios trozos delante del espectador y luego lo recompone sin importar si la cabeza el tronco y las extremidades corresponden a la figura inicial. Antonio de la Torre, José Mota y, especialmente, Maribel Verdú, están espléndidos en este retrato fantasma y negro de boda (uno de los escenarios más recurrentes
del último cine español) y espectro, de reencarnación y supermercado, de baile de salón y grúa con mono. Una mirada hispánica que tan pronto es hipnótica como desconcertante, sutil y burda, agresiva y cotidiana. ‘Los pajaritos’ y las porras, el comecocos y el machismo pegado en todas las esquinas, los maltratadores inherentes a la cosa social, el extrarradio y lo choni, el pasado de ‘transición’ y el presente imperfecto, y sus reversos. El más allá y el más acá de un estado letal, el disparate y la sorpresa, la imaginación y la libertad creativa. Y en ese carrusel que no para de girar una clara soflama femenina de rebeldía y mirada frente al mundo. Uno, dos…tres. El que quiera puede despertar. Y el que no, seguir soñando.

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War for the Planet of the Apes 2017 – 142 min. Estados Unidos.

Director: Matt Reeves

Guion: Mark Bomback, Matt Reeves . Música: Michael Giacchino.

Fotografía: Michael Seresin.

Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Judy Greer,  Gabriel Chavarria, Max Lloyd-Jones.

Género: Ciencia ficción.

Salas: Cinesa  y Peñacastillo

Tras dejarse impregnar por la perfección tecnológica que emana de este  inmenso poema sobre la importancia del lenguaje, bueno es rendir  homenaje a la obra icónica de Schaffer que inauguró el territorio visual  de ‘El planeta de los simios’ sobre la obra de Pierre Boulle. La desesperación de Charlton Heston arrodillado en la playa, la figura de Cornelius/Aurelio…forman parte de ese imaginario que traspasa la
pantalla para crear un campo sembrado de relatos fundacionales. Tras la fallida y desganada incursión de Tim Burton en el planetario simiesco, paradójicamente, a modo de precuela, ha amanecido un tiempo de
revitalización de esta simbólica y fantástica reflexión sobre la identidad humana. Matt Reeves, el cineasta de ‘Monstruoso’, firma un grandioso espectáculo en esta tercera entrega de la nueva vida otorgada a esta ficción. Entre el visionario y metafórico despliegue  exento de artificio, y el intimismo más sutil, ‘La guerra del planea de los simios’ construye un arriesgado, lúcido y hermoso documento sobre el poder de la palabra y de la comunicación y la necesidad de poseer un lenguaje como  herramienta de libertad. A la naturalidad técnica de los efectos especiales –la captura de movimiento en todo su esplendor–, el cineasta de ‘Déjame entrar’ incorpora una particular miscelánea mitológica y cinéfila donde cabe el viaje fordiano de ‘Centauros del desierto’, el descenso a los infiernos y al corazón de las tinieblas, con más que guiños explícitos  a ‘Apocalypse now’ de Coppola, o el itinerario antropológico de hombre y naturaleza de ‘Las aventuras de Jeremiah Johnson’. Cómo reinventar, entre apropiaciones y homenajes una saga que no es tal y parecer casi fundacional. Cómo servirse hasta el límite de lo artificial de la parafernalia tecnológica y no caer en lo amanerado e impostado. Cómo adentrarse en la redención, en la lectura política (el líder ególatra seguido por la masa seducida, la construcción del muro, la fe ciega en la violencia y en el castigo…)  y evitar la retórica y el mensaje burdo. Todo está expuesto de manera diáfana en esta dulce combinación de paisaje y hombre, de naturalismo y expresión digital. Sombrío y audaz, sereno pero lleno de arrebatos, este thriller con muchos exilios interiores, a caballo entre el western de su predecesora y el rizo bélico, adopta la forma de una odisea en busca de los límites de la identidad y la humanidad. Rotunda, simbólica, arrebatadora, mezcla con sabiduría y sin afectación la ansiedad de gran espectáculo y la complejidad dramática. Agua, fuego y nieve enmarcan los primeros planos de los primates, los signos, las miradas entre la niña y el adalid simio.., entre símbolos primarios y primitivos de esta grave y ceremoniosa distopía, no por ello emocionante, inquieto y enérgico manifiesto de agitación. De la épica a la aventura carcelaria, del
discurso abiertamente político a la redención. Un relámpago crepuscular en busca de una palabra fundacional.

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España. 2015. 95 m. (16). Drama.

Directora: Paula Ortiz.

Intérpretes: Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Álex García, Manuela Vellés, Consuelo Trujillo. Salas: Peñacastillo

Callar y marchitarse. Dolor de sangre. Las palabras se desbordan y susurran. Al galope, lacerantes y afiladas. Lorca en estado puro. ‘La novia’ es como un puñado de tierra esparcido al aire para dejar que imágenes azarosas interpreten, desnuden, encuentren o simplemente revelen su sitio. Hay tentaciones esteticistas, muchas, y el peligro de caer en la mera ilustración. La entraña del decir lorquiano es tan intensa que es lícito preguntarse qué imagen puede combatir la fuerza de tanta metáfora. Paula Ortiz firma un ejercicio visual intachable, arriesgadísimo, telúrico, también impostado, en ocasiones deslumbrante, aunque nunca se desprende del diseño subrayado. La belleza lorquiana, la del drama y la de la desgarradura por dentro, hace daño. La cineasta se enfrenta a ella con una mirada limpia, un paisaje descarnado y una coreografía donde la música, el verbo musitado y el afán estético conviven y colisionan en armonía, en simetrías y en contrastes. Sobran algunos rizos documentalistas en busca del sudor del caballo, del detalle manierista, del barroquismo. Y, sin embargo, arropada por unos actores excelentes y una complicidad de factores coherentes ‘La novia’ se eleva a través de estas ‘bodas de sangre’ entre el gesto pasional, el baile y las canciones como la intrahistoria febril de un lamento o de una celebración, el vals de contraluces, lo sensorial, el olor invisible de la sangre que se presiente, la textura envolvente de unas sensaciones que miran de frente a Lorca y salen unas veces en abrazo, otras en fuga, y muchas heridas por la fuerza original que rechaza interpretar al poeta. ‘La novia’ es un filme hermoso, valiente, en ocasiones petulante, serio y sobrado. Los puristas hablarán de traiciones y ridículo, otros de falta de respeto y tradición. Pero la directora de ‘De tu ventana a la mía’ sabe lo que quiere, posee la mirada clara y agarra de raíz la tragedia, la violencia terrenal y maternal y ya no la suelta. Inma Cuesta, ojos y dolor en un mismo rostro, interioriza la mujer, el personaje, el estereotipo y el tópico y agita su historia de amor, la maldición y la fatalidad, y deja que la vida y la muerte se derramen por dentro y por fuera. Luisa Gavasa, madre del novio, se lleva consigo como un viento de interpretación, el resto del peso de la tragedia. La belleza es obvia, también su encaje estético, su formalismo. Y ahí la emoción corre peligro de fugarse y quedarse en la imagen solapada y pegada en la poesía. Vence Lorca, se enreda lo lorquiano y el arrebato y el delirio golpean el drama y su potencial. Sobra diseño y falta amargura en la piel. «Porque tú crees que el tiempo cura y que las paredes tapan, y no es verdad, no es verdad».

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El caso es balar. Hacer oír su voz y eso es lo que hace este ejercicio diferente que transpira atmósfera artesanal. La cosa va de ovejas pero podrían ser abejas. De lo que se trata es de crear un regalo visual sólido, bien contado, sin aspavientos y a través de una intensa caligrafía doméstica. Cine familiar, su estética aparenta sencillez y tacto y huye de la sofisticación tecnológica de la mayor parte de la animación actual. La cosa exuda plasticidad, pero su modestia parte de sus ganas de desmarcarse. No hablamos de falsos medios, ni de imposturas. Aquí la ‘rebelión en la granja’ viene de la diferencia, de un proyecto emergente británico aflorado a través de las instalaciones de Aardman Studios. La técnica fotograma a fotograma con figuras de plastilina da crédito a Richard Starzak y Mark Burton que firman esta comedia con su encanto y su plasticidad. La oveja Shaun, en su traslado del confort televisivo a la gran pantalla, adquiere otra textura. Su rostro secundario en ‘Wallace y Gromit’ protagoniza una estética diferenciada, sin ruido, con muchas deudas con los clásicos fundacionales del gag. Casi todo es manual y ello proporciona una aventura que aboga por la cercanía. Tras ‘¡Piratas!’, la labor de estos concienzudos y rigurosos activistas de lo próximo regresa con este lúcido espectáculo entre lo paródico y el slasptick, que al margen de la fábula, de la utilización de animales y del deja vu muta con encanto el lenguaje de la comedia más imaginativa a un formato que se antoja interesante y a ratos intenso. El error está en pensar que todo parte y discurre por vías muy infantiles. Solidaridad, diálogo entre la naturaleza y lo urbano aderezado todo con situaciones cotidianas con toque surreal encauzan el filme de Richard Starzak y Mark Burton. ‘La oveja Shaun’, con técnica stop motion, entre homenajes y deudas, se postula como una obra entretenida, plena de guiños cinéfilos y una austeridad en el lenguaje. Lo que presenta dudas es si hay demasiada explosión de largometraje para tan escasa peripecia. Se busca en realidad un desfile de esencias con el asombro como eje y la ausencia de palabras como declaración de principios. Lo verdaderamente sutil nace de la capacidad para criticar las modas, para mostrar su destreza en la puesta en escena sin traumatismos. Para desengrasar la dictadura del gran montaje digital y sus apabullantes golpes de efecto, este territorio en apariencia inocente lanza toda su expresividad cómplice. Entre el granjero, la caravana y el diálogo lúdico entre el rebaño que oscila del campo a la gran ciudad, el filme saca la cabeza con su personalidad animada. Al espectador le queda asociar cada oveja con su pareja.

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